RESUMEN DEL PROYECTO
“Una Orquesta Improvisada” es un proyecto de creación de un ensamble de músicos y músicos profesionales de la Ciudad de Buenos Aires, de trayectorias y orígenes musicales diversos que fueron coordinados por un directora especializada en la práctica de la improvisación. Durante seis meses, los músicos profundizaron sobre los sistemas de improvisación musical “Método de Ritmo y Percusión con Señas”, creado por Santiago Vázquez en diálogo con el método “Conduction”, creado por Lawrence Butch Morris.
Este proyecto fue posible gracias al programa de Participación Cultural – Mecenazgo.
DESCRIPCIÓN DE ACTIVIDADES
Si bien el desarrollo del proyecto estaba planteado para realizar en el año 2021, no se consiguieron los fondos para su ejecución; por lo cual se postergó hasta el segundo semestre del año 2022, cuando ya se contaban con los recursos. El desarrollo del proyecto “Una orquesta improvisada” fue realizado en el segundo semestre del año 2022. Durante seis meses, los músicos realizaron ensayos semanales profundizando en el alcance del diálogo de los dos métodos de improvisación dirigida seleccionados. Algunos de ellos tenían experiencia previa en el uso del Método del Ritmo y Percusión con Señas; mientras que otros músicos se acercaban a este espacio sin conocimientos en esta temática. Por otro lado, la directora del ensamble acercó a los músicos el método “Conduction”; llevó el libro editado por Daniela Veronesi y durante todo el proceso, trabajaron con aspectos filosóficos del mismo; buscando su alcance y posibilidades en diálogo con el método de Vázquez.
La orquesta improvisada se conformó por: Andrés Pilar (piano), Sebastián González (percusión), César Martinini (vibráfono), Victoria Polti (flautas), Emmanuel Famin (saxo y clarinete), Marcos Cifuentes (contrabajo y voz), Mariana Debenedetti (voz) y María Fernández Cullen (dirección)
Se realizaron grabaciones de los ensayos y al finalizar el proceso, se grabó en audio y video una jornada de música improvisada en estudio, el día 3 de Octubre de 2022. Se priorizó grabar en un estudio en un mismo espacio; por la importancia de estar conectados visual y auditivamente. Todas las músicas de ese día fueron creadas en tiempo real, sin previos arreglos ni uso de memorias específicas o composiciones propias. Se seleccionó el material registrado. De 17 tomas únicas, se seleccionaron 12, alcanzando un total de una hora de música. Las tomas no fueron editadas, por el formato de la grabación y también de la propuesta. Cuando se tengan los recursos para realizar la mezcla y edición del material, se continuará con el proyecto.
CONCLUSIONES
Los resultados de este proceso fueron de gran interés para los artistas involucrados. Se realizó una evaluación individual y grupal para la realización del presente informe. Luego de esta experiencia, podemos resumir que las músicas resultantes utilizando sólamente el Método de Ritmo y Percusión con Señas son músicas con el foco en el ritmo, en la forma y en la estructura. Son músicas estables, donde se definen patrones rítmicos, armónicos y melódicos con mucha facilidad; lo que genera una sonoridad específica para su desarrollo. El uso predeterminado del loop, planteado por Vázquez, genera la posibilidad de crear por capas, de forma estable, complementaria y con el foco en las células y patrones rítmicos. Por otro lado, la figura del director es predominantemente activa, siendo el responsable de indicar entradas, salidas, cortes, matices, tonalidades, ideas concretas; siempre con mucha precisión. Los integrantes del grupo son intérpretes de las ideas del director, teniendo que adaptar su propia creación a la idea del loop dentro de la indicación que reciba por parte del director. Podría decirse que el rol del músico en esta metodología es más de intérprete que de creador o improvisador libre.
Por otro lado, entendemos que el método Conduction, del cual Vázquez tomó para la creación de su método, plantea un escenario de escucha y creación más profunda; con una filosofía más abierta, donde la creación colectiva y colaborativa responsable junto con la conducción de la energía son el foco del trabajo. Es un método que presenta muchísimas más libertades a los músicos al momento de interpretar una seña o crear músicas espontáneamente. El director es un músico más, que conduce la energía (o músicas) del grupo, percibiendo y ayudando a percibir lo que sucede en el momento, como plataforma inicial para la creación. Es función del director proveer estructura y forma, pero no el contenido, el cual es generado por los músicos. Es un método con pocas señas y con muchas libertades para el intérprete, donde tiene espacio suficiente para experimentar distintos roles en improvisaciones colectivas. El rol del músico es muy activo y tiene mucha libertad de acción, siempre priorizando el desarrollo de la música que sucede en el momento, y actuando con responsabilidad frente al hecho sonoro. Las músicas pueden ser muy experimentales, sin tempo, sin armonía, con juegos sonoros, búsquedas y movimientos; como también pueden resultar músicas rítmicas y armónicas, de acuerdo a la creación colaborativa del grupo.
La experiencia de trabajo en diálogo de estas dos metodologías fue de gran interés artístico para los músicos y la audiencia. La combinación de estas prácticas fue la plataforma de creación de músicas con distintos matices, colores y búsquedas sonoras; las cuales no hubieran sido posibles utilizando un solo método. La complementariedad metodológica fue muy interesante, ya que permitió la creación de escenarios impensados en ambos métodos por separado.
Como resultado de este proceso, quedan a disposición las músicas resultantes de la jornada de grabación de esta “Orquesta Improvisada”.
El material crudo de audio y video será editado cuando se cuente con los recursos para su realización.
REGISTRO AUDIOVISUAL (sin editar aún)
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REGISTRO SONORO (sin mezclar aún)
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MÉTODOS DE IMPROVISACIÓN DIRIGIDA
SOUNDPAINTING
Soundpainting es el lenguaje universal de señas para la composición multidisciplinaria en vivo, el cual es interpretado por músicos, actores, bailarines y artistas visuales. En la actualidad (2022) la lengua está compuesta por más de 1500 gestos que son utilizados por el Soundpainter (compositor) para indicar el tipo de material que desea de los intérpretes. Éste realiza una composición mediante la variación de los diferentes parámetros de cada conjunto de los gestos expresados. El Soundpainting fue creado por Walter Thompson en Woodstock, Nueva York, en 1974.
Funcionamiento
El Soundpainter (el compositor), que por lo general se coloca frente al grupo, se comunica mediante una serie de signos expresados con las manos y el cuerpo, que indican un material específico y/o aleatorio a realizar por el grupo. El Soundpainter utiliza las respuestas de los artistas, intérpretes o ejecutantes, moldeándolas o dándoles forma dentro de la composición, y luego indica otra serie de gestos, que constituyen una frase, y continúa de esta manera durante el proceso de composición de la obra.
El Soundpainter compone en tiempo real utilizando las señas para crear de la manera que desee. A veces sabe lo que va a recibir de los intérpretes y en otras ocasiones no. De ahí proviene que los materiales posean diferentes grados de especificidad y de azar. El Soundpainter compone con lo que sucede en el momento, ya sea esperado o no. Lo que se requiere para alcanzar un alto nivel de fluidez con el Soundpainting es desarrollar la capacidad de componer y adaptarse a lo que sucede en el momento, en tiempo real.
En Soundpainting, los gestos se efectúan con la sintaxis de quién, qué, cómo y cuándo. Hay muchos tipos de gestos, algunos indican materiales específicos a realizar, así como otros señalan determinados estilos, géneros, conceptos aleatorios, improvisación, diferentes disciplinas, posiciones en escena, vestuario, accesorios, y mucho más.
La estructura del lenguaje
A medida que se adquiere fluidez en la práctica del Soundpainting, puede que se considere ventajoso tener una comprensión de las partes que componen la estructura del lenguaje. Aunque no es imprescindible comprender completamente dicha estructura para ser un Soundpainter fluido, se sugiere adquirir un conocimiento general del funcionamiento de los gestos dentro de la frase, pues puede ayudar a solucionar problemas a la hora de crear y dirigir nuevas frases propias.
Los gestos se agrupan en dos categorías básicas: Gestos Sculpting (Esculpir) y Señas de Función. Los gestos Sculpting indican qué tipo de material se empleará y Cómo debe ser realizado y las señas de Función indican Quién actúa y Cuándo comienza a actuar. Quién, Qué, Cómo, y Cuándo abarcan la sintaxis del Soundpainting.
Nota: Los gestos Cómo no se emplean siempre. El Soundpainter a menudo realiza una frase sin gesto Cómo. Por ejemplo: Whole Group, Long Tone, Play. Si se efectúa una frase sin gesto Cómo, entonces son los ejecutantes los encargados de decidir la dinámica y la calidad del material.
La sintaxis:Quién, Qué, Cómo, Cuándo, y las dos categorías básicas, Gestos de Esculpir y Señas de Función, se dividen a su vez en seis subcategorías: Identificadores, Contenido, Modificadores, Gestos de Comenzar, Modos, y Paletas.
1 – Los Identificadores están en la categoría de Función y son gestos de Quién. Por ejemplo Whole Group (Todo el Grupo), Woodwinds (Maderas), Brass (Metales), Group 1 (Grupo 1), Rest of the Group (Resto del Grupo) etc…
2 – Los gestos de Contenido están en la categoría de Esculpir, e identifican Qué tipo de material debe ser realizado. Por ejemplo Pointillism (Puntillismo), Minimalism, (Minimalismo) Long Tone (Nota Larga), Play Can’t Play (Toca no toca), etc…
3 – Los Modificadores están en la categoría de Esculpir y son Gestos Cómo, por ejemplo Volume Fader (Regulador de Volumen) y Tempo Fader (Regulador de Tempo)
4 – Los Gestos de Comenzar están en la categoría de Función e indican Cuándo incorporarse o salir de la composición y en algunos casos cuándo salir del contenido tal como sucede con Snapshot o Launch Mode.
5 – Los Modos están en la categoría de Esculpir y son gestos de contenido que incorporan parámetros específicos de realización. Scanning, Point to Point, y Launch Mode son algunos ejemplos de Modos.
6 – Las Paletas están en la categoría de Esculpir y son sobre todo gestos de contenido que identifican material compuesto y/o ensayado anteriormente.
Nota: Al escribir o nombrar el lenguaje en Soundpainting, se utiliza la lengua inglesa para referirse a los gestos. Los títulos del gesto a menudo tienen poco o nada de relación con la palabra inglesa con la que se nombran. Por ejemplo: El gesto Play nunca se utiliza como gesto de contenido. Play es un Gesto de Comenzar. Es decir, es un uso incorrecto del gesto Play. Si se señalizara: Whole Group, Play; Un grupo experimentado de Soundpainting permanece en silencio porque aquí no hay un gesto de contenido dado, por ejemplo Pointillism – Whole Group, Pointillism, Play. Sin un gesto de contenido no hay ninguna indicación de qué se tiene que tocar o hacer.
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CONDUCTION
Conduction es una de las Prácticas de Improvisación Dirigida más relevantes y con gran potencial de investigación y desarrollo, basado en un conjunto codificado de señas manuales que pueden ser utilizados por los directores para dirigir un grupo con o sin notación. Fue creado y desarrollado a lo largo de treinta años de carrera musical por Lawrence D. «Butch» Morris (1947- 2013), quien fue un cornetista de jazz estadounidense, compositor y director de orquesta, considerado internacionalmente uno de los grandes innovadores de nuestro tiempo. Su interés por la música orquestal -desde vanguardia a la música clásica contemporánea- se ha cristalizado en un método único de composición en tiempo real, a la que llamó Conduction®. Morris viajó por el mundo, introduciendo el Conducción a diversas comunidades de músicos, y su influencia se extendió al arte, la danza, la poesía y el cine.
Concebida por Lawrence D. “Butch” Morris como una introducción teórica, así como
una guía práctica para directores, compositores, instrumentistas y educadores musicales, «El arte de la conducción: un libro de ejercicios de conducción®» brinda una perspectiva detallada, a través de dibujos y explicaciones, de cada signo y gesto que Morris desarrolló por su «vocabulario de comunicación» al crear música juntos.
El volumen, publicado póstumamente y editado por Daniela Veronesi, presenta las inflexiones de Morris sobre la conducción como una forma de establecer un terreno común entre la notación y la música improvisada, e incluye una completa cronología y discografía de Conducción.
La Improvisación Dirigida es una práctica de vanguardia en la música contemporánea, caracterizada por una colección de métodos y sistemas de dirección e improvisación musical colectiva creado y desarrollado en diferentes partes del mundo, a mediados de 1980, de grandes directores y compositores como Lawrence «Butch» Morris (EE.UU.), Frank Zappa (Estados Unidos), Anthony Braxton (Estados Unidos), Walter Thompson (Estados Unidos), Santiago Vázquez (Argentina), Lancu Dumitrescu (Rumania), Steve Beresford (Reino Unido), Karl Berger (EE. UU.), Adam Rudolph (EE. UU.), John Zorn (EE. UU.), François Jeanneau (Francia), entre otros
El carácter colectivo de Conduction® sugiere que los improvisadores contribuyen constructivamente para el desarrollo de la música en su conjunto, con el flujo creativo colectivo y la interacción entre director y orquesta. En esta práctica, se entiende que el todo está compuesto de múltiples partes y cada parte está compuesto por la individualidad de cada participante, siendo necesario desarrollar la
capacidad de escuchar y comprender el contexto, definido por el diálogo entre el director y el grupo, para hacer contribuciones positivas que se suman al todo. De esta forma, además de la búsqueda en el campo de las artes, la práctica de la Dirección se aplica también al ámbito social de interacciones grupales, contribuyendo a la discusión y construcción de conceptos, tales como unidad, igualdad y respeto. Durante los últimos años de su vida, Morris trabajó en la documentación de su método en formato de libro; su inesperada muerte lo dejó incompleto. finalmente, el manuscrito fue finalizado bajo la edición del Dr. Daniela Veronesi (profesora de lingüística en la Universidad Libre de Bozen-Bolzano, Italia y colaborador de Morris durante más de una década). En 2017 se presenta en gira internacional en América Norte y Europa, el libro póstumo de Morris recientemente publicado, «The Art of Conduction – A Conduction® Workbook” (Karma, Nueva York, 2017), editado por ella y único registro completo de la práctica.
Lawrence D. “Butch” Morris, The Art of Conduction – A Conduction® Workbook (editado por Daniela Veronesi), Karma, NY 2017
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RITMO Y PERCUSIÓN CON SEÑAS
La Percusión con Señas es una nueva forma hacer percusión, basada en la improvisación grupal en la que, mediante un lenguaje de alrededor de 150 señas realizadas con las manos y el cuerpo, un director puede coordina el flujo de la improvisación convirtiendo a la suma de las ideas individuales en una verdadera composición colectiva.
De esta manera la Percusión con Señas se ha convertido en una práctica innovadora y que señala nuevos horizontes dentro del mundo de la música rítmica en general, y de la percusión en particular.
Pero su utilidad ha trascendido rápidamente el ámbito de los escenarios, para pasar a convertirse en una poderosa herramienta de integración social en varios niveles.
Debido a la simplicidad de su aprendizaje, y a profundidad y la inmediatez de sus resultados, la Percusión con Señas se ha probado en la educación en niveles preescolar, primario, secundario y terciario, en diversos tipos de terapia, en procesos relacionados con el trabajo de grupos y organizaciones, y en programas de integración de grupos sociales marginados.
La Percusión con Señas es a la vez un lenguaje, un método y un juego musical, en el que se ponen en foco y se entrenan de forma efectiva y totalmente disfrutable las habilidades personales e interpersonales necesarias para la integración de grupos de cualquier tipo.
Algunas de estas habilidades son la escucha externa e interna, la actitud proactiva, la comprensión de los roles dentro del grupo, la coordinación, la creatividad, la valoración de la diversidad, el aprovechamiento de los errores, las capacidades de liderazgo, y todo ello desde el mas profundo disfrute.
Este lenguaje fue inventado por el percusionista, director y compositor Santiago Vazquez, y ya ha sido adoptado por una gran cantidad de grupos en varios países, incluyendo La Bomba de Tiempo, grupo que el propio Vazquez creó para poner en práctica éste método, y que se ha convertido rápidamente en una referencia obligada de la percusión en Argentina.
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COBRA
Cobra es un método de composición musical creado por por John Zorn. Cobra fue concebido como un sistema con reglas muy detalladas pero sin una secuencia preconcebida de eventos (una «pieza de juego») para un grupo de improvisadores musicales y un apuntador. Zorn completó Cobra el 9 de octubre de 1984. La composición consiste en un conjunto de señales anotadas en tarjetas y reglas correspondientes a las señales que indican a los jugadores qué hacer en respuesta a las tarjetas. El número de jugadores, la instrumentación y la duración de la pieza son indeterminados, pero un «apuntador» es esencial para la pieza, sosteniendo las cartas a su discreción y emitiendo otras señales. Debido a que no existe una notación musical tradicional y los intérpretes improvisan, la pieza puede sonar radicalmente diferente de una interpretación a otra. El título se inspiró en un juego de guerra de mesa publicado por TSR. Como se comentó con cierta extensión en una entrevista de 2004, Zorn, con sus propias palabras, «eligió deliberadamente no publicar (o incluso escribir) las reglas» de sus piezas de juego, preocupado por la importancia de la instrucción personal. A pesar de esto, las fotocopias circulan entre los músicos a nivel internacional, e incluso hay una impresión limpia de todas las categorías en un folleto de CD (ver grabaciones). Una tarjeta marcada como «XP», por ejemplo, ordena a los músicos que realicen un «subfundido cruzado» (es decir, los que están tocando deben detenerse, mientras que los que no están tocando deben comenzar). Otras cartas pueden ordenar a los jugadores que formen subgrupos, que imiten o desarrollen lo que otro músico estaba improvisando, etc. Los jugadores pueden hacer solicitudes al apuntador a través de gestos con las manos o usar cascos, incluida la formación de «unidades de guerrilla» a las que se les permite ignorar temporalmente al apuntador y tienen opciones que no están disponibles para otros músicos (por ejemplo, formar un «Ivesiean Trio» que toca en géneros reconocibles que superposición y contraste al estilo del compositor Charles Ives). La serie documental de la BBC On the Edge: Improvisation in Music (1992) incluye un breve segmento de Zorn explicando y dirigiendo dos versiones de Cobra. Su objetivo con Cobra, dijo Zorn, era «aprovechar» los desarrollos creativos en improvisación y técnicas extendidas de los músicos de la escena del centro de la ciudad de Nueva York de una manera semiestructurada, pero «sin obstaculizar» sus actuaciones; estaba interesado en decirles a los músicos cuándo tocar y con quién, pero sin decirles qué tocar. Plus-Minus (1963, 1974) del compositor alemán Karlheinz Stockhausen fue una inspiración clave para Zorn, inspirándolo a desarrollar métodos para tocar uno contra el otro y en respuesta a sus señales, pero sin dictar notas específicas, sonidos u otras estructuras formales. Aunque Cobra puede ser interpretada por cualquier número de músicos más un apuntador que maneja las tarjetas, Zorn ha declarado que al menos diez músicos son ideales, con cuidado al seleccionar a los músicos en función de sus habilidades de improvisación y personalidades. Cobra se realizó por primera vez en la ubicación original de TriBeCa de Roulette Intermedium en 1984.
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